CODA: Señales del corazón (2021) Película Completa revision y Hechos en Español Latino

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1:17 el reciente al fuego llegó demasiado tarde para salvar estas hoy el presidente Clinton manifestó su preocupación ante el deterioro de la situación [música] Última hora. El [música] capo internacional.

3:06 En los primeros años de la tercera década del siglo XXI, el Cine Mundial atravesaba una de sus transformaciones más radicales y estructurales desde la irrupción del sonido en los años 30. La industria del streaming, acelerada violentamente por la pandemia de COVID-19 comenzaba a reclamar para sí los espacios de legitimidad que históricamente habían pertenecido en exclusiva a las grandes distribuidoras cinematográficas y a los recintos físicos de exhibición. Las salas de cine, esos templos seculares de la experiencia colectiva, permanecían cerradas o semivacías en todo el mundo, mientras las plataformas digitales se convertían en el principal punto de acceso a la narrativa audiovisual para millones de espectadores confinados. En ese contexto, la errupción de un

3:53 proyecto modesto, íntimo y profundamente humano como Coda en el panorama competitivo del Sandance Film Festival de enero de 2021 adquirió una resonancia que ningún análisis puramente industrial podría haber anticipado con precisión. La película no llegaba respaldada por el poderío de una major, ni por la fanfarria de un presupuesto astronómico o un elenco de estrellas globalmente reconocidas, sino por algo mucho más escaso en el Hollywood contemporáneo. La convicción de que una historia sencilla, bien contada y arraigada en una comunidad invisible para las pantallas podía conmover al mundo entero. El panorama industrial que rodeó la gestación de COD era, en este sentido, tan revelador como el film mismo, pues

4:40 el proyecto surgió de una intersección poco habitual entre el capital europeo, específicamente el de la compañía francesa Paté Films bajo la dirección de Jerome Seid y la ambición de un grupo de productores con experiencia transatlántica, entre ellos Philip Ruselet y Patrick Baxberger, quienes conocían tanto el sistema de financiación europeo como los mecanismos de distribución estadounidense con un presupuesto contenido de apenas ,000, la película fue filmada íntegramente durante el verano de 2019 en la localidad pesquera de Glausester, Massachusetts, una ciudad que el equipo creativo eligió deliberadamente por su carácter a la vez pintoresco y obrero, su vinculación histórica con la

5:25 industria del mar y su capacidad de evocar la tradición de las comunidades de inmigrantes en el noreste americano. La producción se completó antes de que la pandemia paralizara el mundo, pero su lanzamiento quedó atrapado en incertidumbre global de un sistema de distribución que ya no sabía cómo funcionar bajo las nuevas reglas impuestas por la emergencia sanitaria. Lejos de resultar un obstáculo, esa incertidumbre acabaría convirtiéndose en el viento que impulsó la vela de la película hacia su destino histórico. Shan Heeder, la cineasta galésa estadounidense que concibió, escribió y dirigió CODA, llegó al proyecto con una trayectoria que combinaba su labor como avionista en la aclamada serie de Netflix Orange is the New Black, donde

6:12 desarrolló una sensibilidad especial para las historias corales y los espacios de marginación social, con su debut como directora de largometrajes en Talula, 2016. una película sobre maternidad y pérdida protagonizada por Allen Page, que demostró su capacidad para manejarse en la intersección entre el realismo social y la intimidad emocional. La adaptación que Heeder emprendió tomaba como punto de partida La Famil Beliag 2014, el taquillero filme francés dirigido por Eric Lartigo, que había alcanzado un notable éxito comercial en su país de origen con una historia estructuralmente similar. Un adolescente oyente en una familia sorda que descubre su talento para el

6:57 canto y debe elegir entre su vocación artística y sus obligaciones familiares. Sin embargo, la decisión fundamental que distingue la versión de Heeder de su fuente original no es de orden narrativo, sino de política de representación. Allí, donde la película francesa había recurrido a actores oyentes que simplemente interpretaban a personajes sordos, la directora estadounidense exigió que todos los personajes sordos de su historia fueran interpretados por actores genuinamente sordos. una decisión que transformó radicalmente la naturaleza ética y estética del proyecto. La preproducción de CODA fue en buena medida un proceso de aprendizaje cultural colectivo en el que la directora y el equipo de producción se

7:43 sumergieron en la comunidad sorda americana con una voluntad etnográfica que iba más allá del mero activismo de representación. Heeder realizó extensas entrevistas con personas coda, siglas inglesas para children of death adults, hijos oyentes de padres sordos, y descubrió en sus testimonios una riqueza experiencial que pocas veces había alcanzado visibilidad en las pantallas, la de aquellos que viven en un limbo perpetuo entre dos culturas, dos lenguas y dos modalidades sensoriales del mundo, sintiéndose plenamente pertenecientes a ninguna de ellas y profundamente enraizados en ambas al mismo tiempo. El productor Jack Jason, intérprete de la actriz Marley Matlin durante décadas

8:30 y él mismo hijo oyente de padres sordos, describió su experiencia vital con la imagen de un cable eléctrico, un mero conductor de corriente entre dos puntos, una presencia funcional que existe solo en relación a los demás y que raramente se pregunta por su propia naturaleza. Esa imagen, la del mediador invisible, el puente que nunca es ni una orilla ni la otra, se convertiría en el corazón filosófico del guion que Heeder finalmente produjo, un texto que equilibra con extraordinaria habilidad el tono de la comedia familiar con la gravedad de los dilemas existenciales que enfrenta su protagonista. El casting del film representó en sí mismo un acontecimiento de importancia histórica para la comunidad Sorden Hollywood, pues

9:17 la decisión de Heeder de contratar a Marley Matlin, la única actriz sorda en ganar un Óscar de interpretación hasta aquel momento, por su papel en Children of Alesser God, 1986, junto a Troy Kotsur y Daniel Durant, actores procedentes del Teatro sordoamericano que habían pasado décadas sin acceder a oportunidades de visibilidad en el cine o la tele. televisión Mainstream reunió en un mismo proyecto tres generaciones y tres modalidades diferentes de la experiencia de actuar en la lengua de signos. Kotsur, en particular llevaba más de 30 años trabajando en el Teatro Sordo sin que el cine comercial americano hubiera reparado en sus capacidades extraordinarias como intérprete. Y la elección de Heeder de confiarle el papel

10:03 del padre Frank Rossy no fue solo un acto de justicia tardía, sino una apuesta artística que el actor respondería con una actuación de una vitalidad y una textura cómicotrágica difícilmente olvidables. La actriz protagonista, la joven galesa Emilia Jones, debió someterse a un proceso de preparación extraordinariamente exigente que incluyó 9 meses de clases intensivas de lengua de signos americana, el ASL, American Sign language, clases de canto y un periodo de inmersión en las labores de pesca junto a pescadores locales de Glossester. Una preparación multidisciplinaria que raramente se exige a una actriz de su edad y experiencia. El rodaje propiamente dicho tuvo lugar

10:50 en Glossester durante el verano de 2019, antes de que el mundo se detuviera y la elección de la directora de fotografía Paula Widobro como colaboradora visual del proyecto resultó determinante para la identidad estética que el film acabaría desarrollando. Juidobro. Cinematógrafa de origen mexicano con una trayectoria que incluía colaboraciones de notable sofisticación visual, adoptó para CODA una filosofía radicalmente distinta a su estilo habitual. renunció deliberadamente a los primeros planos, un gesto de aparente sencillez que en realidad implica una comprensión profunda de las demandas comunicativas de la lengua de signos, que requiere visibilidad total del cuerpo para transmitir su significado. y trabajó con

11:38 iluminación naturalista de alta sensibilidad ISO, aprovechando las capacidades del sistema Sony Cinealta Venis para capturar la textura rugosa y salubre del mundo pesquero sin artificios lumínicos que lo idealizaran. La ciudad de Glosester apareció en la pantalla con la misma presencia democrática con la que aparecen en las novelas de John of Dijke Los paisajes del noreste americano. Como un territorio vivo, contradictorio, hermoso en su decadencia y brutal en su honestidad de clase. El estreno virtual del film en el Sondance Film Festival el 28 de enero de 2021 desencadenó una respuesta que nadie en la industria había previsto con la magnitud que adquirió. La película se

12:23 convirtió de inmediato en el fenómeno de la edición, ganando el premio del público en la categoría de drama de Estados Unidos y provocando una guerra de adquisiciones entre plataformas que culminó con la compra de CODA por parte de Apple TV Plus por la cifra récord de 25 millones dó. La más alta jamás pagada hasta entonces por una película en la historia del festival. Ese número no era simplemente una expresión de entusiasmo financiero, sino también una declaración de intenciones estratégica. Apple, cuyo servicio de streaming había lanzado apenas dos años antes y que necesitaba consolidar su posición como actor de primer nivel en el ecosistema del entretenimiento digital, apostaba por CODA como emblema de su vocación de

13:10 producir cine de carácter y no meramente contenido de consumo rápido. La apuesta resultaría, en todos los sentidos imaginables una de las más rentables en términos de prestige en la historia corta de los streamers. El lanzamiento simultáneo en plataforma y en salas el 13 de agosto de 2021 llegó acompañado de una decisión sin precedentes en la historia de la distribución cinematográfica. Apple dispuso que todas las copias teatrales de la película en mercados anglosajones se exhibieran con subtítulos abiertos grabados directamente sobre la imagen sin necesidad de equipamiento especial. en lugar de los habituales sistemas de

13:57 subtitulación asistida que requieren el uso de gafas especiales frecuentemente defectuosas o de pantallas auxiliares. Este gesto aparentemente técnico y administrativo, era en realidad una declaración política de accesibilidad radical. Por primera vez en la historia del cine comercial, una película garantizaba que los espectadores sordos podían ver la misma imagen que el resto del público, en igualdad de condiciones y sin depender de infraestructuras frecuentemente fallidas. La decisión resonó con particular fuerza simbólica para una comunidad que había visto durante décadas como el cine

14:43 ignoraba sistemáticamente sus necesidades sensoriales y anticipó en términos prácticos los debates filosóficos sobre identidad, pertenencia y acceso que la propia película desarrollaría en su interior narrativo. La campaña de premios que siguió fue igualmente reveladora del lugar que Koda llegó a ocupar en el imaginario cultural de la temporada, pues la película acumuló reconocimientos en los circuitos de la crítica independiente y las asociaciones de artistas cinematográficos con una consistencia que la convirtió progresivamente en la candidata más querida, sino siempre la más nombrada, de la temporada de premios

15:28 2021-2022. 22. El premio a la mejor actuación de conjunto de los Screen Actors Guild Awards, concedido por los propios actores de la industria como reconocimiento del trabajo colectivo, fue quizás el más significativo en términos simbólicos, pues representaba el reconocimiento de los pares a un elenco que había trabajado en condiciones de inversión radical en una cultura y una lengua ajenas a la mayoría de sus miembros oyentes. La noche del 27 de marzo de 2022, en la ceremonia de los Nighty Foth Academy Awards, Koda se convirtió en el primer film producido por un servicio de streaming en ganar el Óscar a la mejor película. Un acontecimiento que redefinió para siempre los límites entre

16:15 el cine de sala y el cine de pantalla doméstica y que hizo de Sayan Header la primera mujer en ganar el Óscar al mejor guion adaptado desde 2016. Troy Cotzer se convirtió en el segundo actor sordo en ganar un Óscar de interpretación 36 años después de que Marley Madlin abriera ese camino. Y los dos se convirtieron en los únicos actores sordos que han alcanzado el reconocimiento máximo de la academia hasta la fecha. El contexto cultural más amplio en el que Code emergió era, conviene subrayarlo, el de un Hollywood que llevaba varios años sometido a una presión creciente y organizadamente articulada para ampliar su representación de comunidades

17:00 históricamente invisibilizadas o distorsionadas en la pantalla. El movimiento Oscar S. White, nacido en 2015, había puesto en evidencia la homogeneidad racial de los nominados al mayor premio de la industria, desencadenando reformas internas en la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que buscaban diversificar tanto su membresía como los criterios de valoración de las obras. En ese mismo periodo, la conversación sobre la representación de personas con discapacidad en el cine había cobrado nueva urgencia, especialmente en relación a la práctica habitual de contratar actores sin discapacidad para interpretar a personajes con ella, lo que la comunidad de activistas denominaba Creeping Up en analogía con

17:46 el black face racial, una práctica que permitía a los actores oyentes ganar premios y reconocimientos interpretando la sordera como un estado trágico y ajeno. sin que las comunidades representadas tuvieran voz ni agencia en ese proceso de visibilización. CODA llegaba, pues, con una agenda de representación explícita que resonaba con debates que ya llevaban años fermentando en el seno de la industria y su éxito se convirtió en un argumento contundente sobre la viabilidad comercial y artística de la autenticidad en la representación. El filme también llegaba en un momento en el que el género del coming of age, esa cartografía sentimental del tránsito hacia la adultez que el cine americano ha cultivado desde los años 50,

18:33 experimentaba una notable vitalidad creativa en el contexto del streaming, donde la atomización de las audiencias y la ruptura con los condicionamientos del mercado tradicional de salas habían liberado a directores y de la necesidad de construir sus historias de iniciación, según las convenciones más rígidas del género. Lady Bird 2017 de Greta Gerwig, Grade 2018 de Boham, Minari 2020 de Lee Isaac Chon y Nomadland 2020 de Chloe Sao habían demostrado cada una a su manera, que el cine de maduración podía ser simultáneamente íntimo y universal, profundamente arraigado en una experiencia cultural específica y capaz de convocar la empatía de espectadores

19:19 ajenos a esa especificidad. Koda se inscribía en esa corriente con una diferencia significativa. Su protagonista no habitaba únicamente el espacio de tránsito entre la infancia y la adultez, sino también el espacio de tránsito entre dos comunidades sensorial y culturalmente distintas, lo que añadía a la estructura habitual del género una dimensión lingüística y perceptiva sin precedentes en el mainstream hollywoodense. La posición de CODA en el panorama industrial del cine de principios de la tercera década del siglo XXI no puede comprenderse cabalmente sin atender al debate más amplio sobre la naturaleza del cinemismo que el auge del streaming había desencadenado.

20:05 Un debate en el que figuras como Martín Corcese o Francis Ford Cóola habían adoptado posiciones críticas firmes respecto a la colonización de los espacios de exhibición cinematográfica por contenidos producidos sin las condiciones estéticas ni la vocación de permanencia que históricamente habían definido al arte del film. La victoria de COD en los Ócar fue leída por algunos comentadores como una capitulación del establishment cinematográfico ante el poder económico de las plataformas digitales, mientras que otros la interpretaron como la demostración de que el contenido humano de una historia puede superar las barreras tecnológicas y comerciales de su soporte. Lo que resulta indiscutible en cualquier

20:52 caso es que la película de Heeder sitúa definitivamente al streaming en el mismo nivel de legitimidad artística que el cine de sala, a los ojos de la institución más antigua y poderosa de la industria cinematográfica americana y que ese desplazamiento epistemológico es, independientemente de cómo se valore la película misma, uno de los hechos culturales más significativos de los últimos 10 años en la historia del cine. Ruby Rossy tiene 17 años cuando la conocemos y el primer plano de la película la muestra a bordo del barco pesquero familiar en las aguas frías del Atlántico Norte, con las manos sumergidas hasta los codos en las redes mojadas y la cara marcada por la sal y el esfuerzo de una jornada que ha

21:38 comenzado antes del amanecer. Es una presentación que habla de pertenencia y de trabajo antes de decir una sola palabra. Ruby no es un adolescente que observa el mundo de sus padres desde la distancia del privilegio o el fastidio, sino una participante plena en la economía de supervivencia de su familia. alguien que ha asumido responsabilidades de adulto desde una edad en la que sus compañeros de clase apenas han comenzado a tomar conciencia de sus propias aspiraciones. La familia Rossy, padre Frank, madre Jacki y hermano mayor Leo son tres personas sordas que pescan en Glowester para ganarse la vida con la dignidad difícil de quienes no esperan que el mundo les facilite nada. Y Ruby es el

22:25 vínculo que los conecta con ese mundo oyente que los rodea. Intérprete, traductora, negociadora, portavoz y amortiguador de las fricciones que inevitablemente surgen cuando dos culturas sensoriales coexisten sin un código común. El primer acto del film establece con eficacia y economía narrativa las coordenadas de la vida cotidiana de Ruby y lo hace con un tono que combina el costumbrismo afectuoso con momentos de comedia física derivada de los malentendidos comunicativos entre el mundo sordo y el mundo oyente. vemos a Ruby traducir conversaciones médicas de una delicadeza escabrosa, incluyendo una escena memorable en la que debe comunicarle a sus padres el diagnóstico de una enfermedad de transmisión sexual

23:13 con un nivel de detalle clínico que la mortifica tanto a ella como al espectador. y vemos como ese rol de mediadora la ha convertido en una persona simultáneamente imprescindible e invisible, alguien cuya subjetividad desaparece en el acto mismo de servir de puente entre los demás. La madre Jackie, interpretada por Marley Madlin, con una mezcla de fiereza maternal y fragilidad autoconsciente, es una mujer que lleva la huella de haber sido educada en un mundo que la trató durante años como alguien fundamentalmente disminuido y que ha construido su autoafirmación sobre una combinación de orgullo cultural sordo y un sentido del humor que usa como escudo

23:59 y como arma simultáneamente. La dinámica familiar de los Rossy está marcada por una intensidad que el filmalizarla. Son una familia que se quiere con pasión desordenada y se lastima con la misma energía, en la que los límites entre la dependencia afectiva y la autonomía individual se han vuelto difusos por años de convivencia en las condiciones particulares que impone la crianza de un hijo oyente por padres sordos. La introducción del elemento musical que va a reorganizar la narrativa completa se produce en la clase de coro del instituto. Cuando Ruby, convencida por su amiga Gerty, de apuntarse a la optativa para compartir tiempo con un chico que le gusta, Miles interpretado

24:47 por Ferdia Walchpilo, con una mezcla de sensibilidad artística y torpeza adolescente que resulta genuinamente encantadora. descubre que el profesor de música, Bernardo Villalobos, un músico mexicano interpretado por Eugenio Dervz con una calidez que oculta un rigor pedagógico considerable, detecta en ella un talento vocal que va mucho más allá de lo que ella misma había sospechado. La escena de la primera clase de coro tiene una doble función narrativa y temática que merece atención. Por un lado establece la tensión entre el mundo del sonido que Ruby habita como oyente, pero en el que nunca había buscado su identidad y el mundo del silencio, que habita como hija y hermana, pero en el que tampoco puede instalarse

25:33 completamente. Y por otro lado, introduce la figura del maestro como agente de transformación. Ese personaje que el cine de maduración ha utilizado desde Goodby Mr. Chips hasta la sociedad de los poetas muertos como catalizador del despertar de la conciencia artística de los protagonistas jóvenes. El descubrimiento del talento vocal de Ruby desencadena en el guion de Heeder una serie de consecuencias que afectan simultáneamente a la dinámica familiar y al desarrollo interior de la protagonista. Y la directora articula esas consecuencias con una atención cuidadosa a los ritmos emocionales que hace que ninguna de las crisis y los reequilibrios que siguen parezca mecánica o forzada.

26:19 Cuando el señor Villalobos propone a Ruby que se prepare para la audición de ingreso al conservatorio Berkley de música de Boston, una de las instituciones de formación musical más respetadas de los Estados Unidos, la chica enfrenta por primera vez en su vida la posibilidad de un futuro que pertenezca exclusivamente a ella. un futuro que no esté definido por su función de intérprete y soporte de la familia, sino por una capacidad propia, autónoma, que nadie le pidió que desarrollara. Esa posibilidad es vivida al mismo tiempo como una liberación y como una traición, porque el horizonte de una vida propia implica necesariamente el horizonte de un alejamiento respecto a las personas sin las cuales hasta ese

27:06 momento Ruby no ha existido como sujeto completo. El guion maneja con notable destreza la ambivalencia de ese momento. No simplifica la alegría de descubrirse ni la culpa de desearse a uno mismo. El segundo acto del fin se articula en torno a la tensión entre la preparación musical de Ruby y las demandas crecientes de la empresa familiar pesquera, cuya situación económica se deteriora aceleradamente en el contexto de regulaciones gubernamentales que amenazan compribar a la familia Rossi de sus permisos de pesca. La subrama de la crisis del negocio pesquero funciona como un elemento de presión narrativa que pone a prueba la solidaridad familiar y exige de Ruby un posicionamiento moral que el film se

27:53 niega a simplificar. Quedarse a ayudar a la familia tiene un costo real y mensurable en términos de su futuro artístico, pero marcharse a Berkley tiene igualmente un costo en términos del bienestar de personas que la aman y que genuinamente la necesitan. Es en el contexto de esa tensión donde el film despliega su argumento más sofisticado sobre la naturaleza del amor familiar, que querer a alguien no significa protegerlo de la posibilidad de perderse y que la dependencia afectiva, por más que se construya sobre amor auténtico, puede convertirse en una forma involuntaria de aprisionamiento. La escena del concierto escolar en el que Ruby canta por primera vez en

28:39 público mientras su familia asiste sin poder escucharla es uno de los momentos cinematográficos más audaces y emocionalmente devastadores de la película y merece ser analizado con la atención que corresponde a una secuencia que hace del silencio un instrumento expresivo de primer orden. En un momento determinado de la actuación, el sonido de la banda musical desaparece completamente de la banda sonora y el espectador queda súbitamente enfrentado a lo que Frank, Jackie y Leo experimentan en ese instante, el movimiento de los labios, los cuerpos inclinados hacia delante, las expresiones faciales del públicoente que lloran o sonríen ante algo que es

29:25 completamente inaccesible para ellos. La cámara recorre las reacciones de los padres con una ternura que no tiene necesidad de volverse sentimental, porque la verdad de lo que muestran esos rostros, el esfuerzo por comprender algo que está constitutivamente más allá de su alcance sensorial, la búsqueda de las vibraciones del sonido en el suelo y en el aire, el orgullo que sienten de manera abstracta por una hija cuya mayor habilidad les es fundamentalmente inaccesible. tiene una carga dramática que ninguna música incidental podría potenciar. Cuando Frank le pide a Ruby que le cante mientras él coloca las manos en su cuello para sentir las vibraciones de su voz, en una noche fría sobre la plataforma de carga de su camioneta, el

30:12 film alcanza un punto de intensidad emocional que trasciende la anécdota autobiográfica o el retrato sociológico para convertirse en algo más cercano a la poesía visual. La imagen de un padre que aprende a conocer el talento de su hija a través del tacto, que sustituye el oído por la piel y convierte el contacto físico en el único canal posible de comunicación con algo que la separa irremediablemente de él. Condensa en un solo gesto todo lo que el film ha estado construyendo sobre la naturaleza de la comunicación, el amor y la pertenencia. Frank no puede escuchar la voz de Ruby, pero puede sentirla. Y esa distinción entre escuchar y sentir, entre recibir

30:59 el sonido y recibir la vibración, se convierte en la metáfora central de un film que, en última instancia habla de las formas en que los seres humanos encuentran caminos para conectarse a través de las diferencias que lo separan. Troy Kotzur construye la escena desde la interioridad de un hombre que no está pidiendo lástima, sino compartiendo su realidad con su hija. Y esa negativa a la victimización hace que el momento resulte extraordinariamente noble. La crisis familiar alcanza su punto álgido cuando los padres descubren que Ruby ha estado preparándose en secreto para la audición de Berkley. Y la confrontación que sigue revela las capas más complejas de la psicología de cada uno de los

31:45 miembros de la familia. La madre Jackie le dice a Ruby en una de las confesiones más impactantes del guion que cuando nació y le realizaron la prueba auditiva en el hospital, ella rezó para que su hija fuera sorda, porque sentía que si Rubia era oyente, algo fundamental la separaría para siempre. Cuando le dijeron que la niña escuchaba con normalidad, su corazón se hundió. Esa revelación es presentada por Matln sin ningún rasgo de crueldad consciente, como la expresión honesta y dolorosa de una mujer que no está pidiendo que su hija sufra, sino que simplemente expresa el peso de la diferencia que siente entre ellas, la distancia que el sonido construyó donde ella habría querido solo

32:33 proximidad. Es un momento que el cine mainstream raramente tiene el coraje de mostrar porque desafía los clichés sobre la maternidad sorda como inherentemente trágica o como inherentemente compensatoria y nos enfrenta, en cambio, a la complejidad real de una experiencia que no cabe en ninguna de esas categorías simplificadas. La relación romántica entre Ruby y Miles ocupa una posición secundaria en la arquitectura narrativa del film, pero cumple funciones importantes que van más allá del convencional arco de iniciación sentimental que el género impone. Miles es un chico que también canta, que también siente que la música es para él una forma de articular algo que el lenguaje ordinario no puede expresar y

33:21 la conexión que se establece entre ellos en las sesiones de práctica musical, especialmente cuando interpretan juntos el dueto All I need to Get By de Marvin Gay y Tammy Terrel, tiene la cualidad particular de los encuentros en los que dos personas reconocen en el otro modalidad del mundo que en ellos Os mismos estaba sin nombre. El fracaso de Miles en su propia audición para Berkley, revelado en la antesala de la audición de Ruby, añade una dimensión de fragilidad al personaje que impide que sea reducido a mero catalizador del arco de la protagonista. Es un joven que también tiene sus propios sueños y sus propias decepciones. Y la generosidad con la que desea suerte a Ruby, a pesar de su propio fracaso, dice algo sobre él

34:07 que el film explicitar con diálogo. El clímax narrativo de la película, La audición de Ruby para el conservatorio Berkley, en la que interpreta Bot Sides Now de Johnny Mitchell ante el panel de admisiones. Es diseñado por Heeder como la culminación de todos los arcos emocionales que el film ha estado desarrollando simultáneamente y su poder reside precisamente en la acumulación de capas de sentido que se superponen en un único momento de duración relativamente breve. Ruby comienza a cantar nerviosa y desajustada, y el señor Villalogos, que la acompaña al piano, comete deliberadamente un error para darle la oportunidad de comenzar de nuevo. Un gesto pedagógico que en su pequeñez revela toda la naturaleza de la relación

34:52 que han construido. Entonces Ruby ve a su familia que ha viajado desde Glowester para escucharla, es decir, para estar presente de una manera que trasciende la posibilidad auditiva instalada en el gallinero del auditorio y en ese momento algo se transforma en ella. Comienza a firmar las palabras de la canción mientras las canta, convirtiendo la actuación en un acto simultáneamente auditivo y visual, un puente construido en tiempo real entre sus dos mundos. Sus manos dibujan el movimiento de las nubes del cielo, la textura del amor, las paradojas de la vida adulta y cada gesto es también una frase de la canción y también una carta dirigida a sus padres que por primera vez en la vida de Ruby pueden comprender lo que ella

35:38 canta. La resolución narrativa del film evita deliberadamente el milodrama fácil del sacrificio o de la ruptura radical y obtén cambio por una conclusión que propone la posibilidad de la continuidad sin la inmovilidad. Ruby es aceptada en Berkley y parte hacia Boston, pero lo hace después de haber ayudado a su familia a encontrar una solución viable para el negocio pesquero. Los trabajadores oyentes del barco aprenden el alfabeto dactilológico y algunos signos básicos de ASL, traduciendo la dependencia de la familia respecto a Ruby como intérprete y después de haber obtenido la bendición explícita de su padre, que la escena final del film la abraza en el muelle con una ternura que

36:24 ya no contiene retención, sino entrega. El último plano de la película muestra a Ruby en el barco de su familia, mirándose al horizonte del mar, con la misma determinación con que la habíamos visto al principio, pero ahora en posesión de algo que no tenía entonces, la certeza de que puede partir sin traicionar, de que crecer no requiere destruir lo que se deja atrás. Es una conclusión emocionalmente satisfactoria que se gana su sentimentalidad porque el film ha tenido el cuidado de no regalarla. La historia paralela de la crisis del negocio pesquero familiar merece un análisis más detenido del que habitualmente le conceden las lecturas superficiales del film, porque constituye mucho más que un

37:12 simple generador de presión dramática sobre la protagonista. El conflicto entre la familia Rosy y las autoridades pesqueras del condado, que amenaza con retirarles los permisos de captura, argumentando que sin un tripulante oyente a bordo, el barco representa un riesgo de seguridad. Una normativa que en su formulación paternalista reproduce exactamente la lógica de exclusión que la comunidad sorda ha enfrentado históricamente en múltiples ámbitos de la vida civil, sitúa la historia personal de Ruby en el contexto más amplio de las relaciones de poder entre una comunidad minoritaria y el aparato institucional que regula su existencia. Frankie y Jackie no son solo padres que aman a su hija con una intensidad que a veces se convierte en presión. Son también trabajadores de una comunidad costera que lleva generaciones

37:57 en un proceso de marginación económica. Y su sordera no es el único obstáculo que enfrentan, sino quizás el más visible de varios que los colocan en una posición de vulnerabilidad estructural que el film no tematiza con la misma profundidad que la historia familiar, pero que está presente en cada escena de trabajo y de negociación. La participación de Leo, el hermano mayor interpretado por Daniel Durant, en la arquitectura narrativa del filmo que vale la pena analizar con atención porque representa una perspectiva sobre la experiencia sorda que no coincide ni con el sufrimiento ni con el triunfo, sino con la normalidad cotidiana de una persona que simplemente vive su vida con la identidad que tiene. Leo es sordo, trabaja en el barco de su familia, tiene una novia, tiene sus propias

38:44 frustraciones y sus propias alegrías. Y la película tiene el buen juicio de no convertirnos en un personaje cuya función sea únicamente la de enmarcar la historia de la protagonista oyente. La relación entre Leo y Ruby está marcada por la familiaridad afectuosa y la rivalidad fraternal que conocemos de cualquier dinámica entre hermanos. Y en los momentos en que Leo expresa su ambivalencia respecto a la posible partida de Ruby, que lo privaría de la única oyente de la familia con todo lo que eso implica en términos de autonomía colectiva, el FIL nos ofrece una perspectiva adicional sobre el dilema central, que no es ni la del sacrificio maternal ni la del orgullo paterno, sino la de la solidaridad fraterna.

39:29 Leo quiere que Ruby sea libre, pero también sabe lo que su libertad le costará a él en términos concretos. El señor Villalogos, el profesor de música interpretado por Eugenio Dervz, ocupa un lugar particular en la tradición cinematográfica del maestro transformador y Heeder tiene el cuidado de construirlo de manera que se aparte de algunos de los clichés más desgastados del arquetipo. Villalobos no es un salvador altruista sin fisuras ni contradicciones. Es un hombre que tiene un ego considerable, que reacciona con frustración cuando Ruby falta los ensayos por obligaciones familiares, que no comprende inicialmente la naturaleza de las demandas que la vida de su alumna le impone. Su transformación a lo largo

40:17 del film, desde la impaciencia inicial hasta la comprensión que lo lleva a viajar a Glowster para escuchar a la familia de Ruby y comprender finalmente qué es lo que está en juego para ella. es tan importante como la transformación de la protagonista, porque señala la posibilidad de que incluso los agentes de transformación son ellos mismos transformables y que la pedagogía auténtica es siempre un intercambio y nunca únicamente una transmisión. Derves, actor mexicano que lleva décadas siendo el gran cómico del entretenimiento latino en ambos lados del Río Bravo. Construya Villalogos con una mezcla de autoridad y vulnerabilidad que se aparta significativamente de sus

41:02 registros habituales y revela una dimensión interpretativa que el cine comercial raramente le había exigido. La relación entre Ruby y su madre, Jacki es el vínculo más complejo y el más rico en tensiones psicológicas de todo el film. Y Heer lo construye con una atención a las amivalencias que pocas películas de esta categoría se permiten. Jackie es una madre que ama a su hija con una intensidad que a veces resulta sofocante, que ha construido su relación con Ruby sobre una mezcla de orgullo y dependencia que ninguna de las dos ha tenido la oportunidad de examinar críticamente porque la urgencia de la supervivencia cotidiana nunca ha dejado espacio para la reflexión.

41:47 La confesión de Jacki sobre haber deseado que Ruby naciera sorda analizada anteriormente en el contexto narrativo, es también una clave psicológica fundamental para comprender el tipo de vínculo que Jacki ofrece a su hija. No es un vínculo de posesión consciente, sino de pertenencia anhelada. El deseo de que la persona que más quieres habite el mismo mundo sensorial que tú. No porque quieras hacerle daño, sino porque la diferencia duele de maneras que el amor no puede simplemente suprimir. Matlin construye a Jackie con una fisicidad extraordinaria. Su cuerpo habla en ASL con la misma fluidez y expresividad con que hablaría cualquier hablante nativo de una lengua oral y con

42:33 una capacidad de conmover que reside no en los grandes gestos, sino en los pequeños desplazamientos de expresión que recorren su rostro cuando nadie dentro de la historia la está mirando. Frank Rossy, el padre de la familia, es sin duda el personaje más memorable de la película desde el punto de vista de la actuación y la performance de Troy Cotzur es de esas que retroalimentan todos los elementos del film que las rodean con una energía que no tiene nada de calculado. Frank es un hombre físico, orgulloso, genuinamente gracioso, con un sentido del humor que usa tanto para conectar con el mundo como para protegerse de él y con una capacidad de ternura que el film va revelando gradualmente debajo de la capa de

43:18 rudeza, que la vida de los barcos pesqueros y la necesidad de sobrevivir en un mundo que raramente lo ha tratado como un igual han depositado sobre su carácter. La escena en la que Frank coloca las manos en el cuello de Ruby para sentir su voz es quizás el instante que con mayor justeza define la actuación de Kotsur. No hay nada artificioso en la manera en que su personaje cierra los ojos y deja que las vibraciones le cuenten lo que sus oídos nunca podrán contarle. Y la emoción que transparenta es completamente realada. Kotsur había pasado más de 30 años en el teatro sordo americano sin que el cine mainstream se hubiera molestado en mirar en esa dirección. Y el Óscar que obtuvo

44:05 por esta actuación fue una reparación tan tardía como merecida. La protagonista Ruby, interpretada por Emilia Jones, planteó un desafío interpretativo de naturaleza radicalmente diferente al de sus compañeros sordos. Mientras que Kotsur, Matlin y Durant comunican en ASL desde dentro de una identidad cultural y lingüística que les pertenece genuinamente, Jones debe construir un personaje que se mueve entre dos idiomas sin pertenecer plenamente a ninguno de los dos. una persona cuya identidad está definida precisamente por esa condición de tránsito permanente. La preparación de 9 meses que Jones realizó antes del rodaje, incluyendo clases intensivas de

44:51 ASL, formación vocal con coaches especializados y aprendizaje de las técnicas de la pesca de arrastre junto a pescadores locales, se traduce en una actuación que tiene la textura de lo vivido y no de lo aprendido para una ocasión. La voz de Ruby cuando canta es el elemento que organiza el desafío interpretativo más exigente de la actriz. No basta con que suene bien y Jones tiene una voz genuinamente hermosa, sino que debe transmitir la sensación de alguien que está descubriendo algo sobre sí misma a través del canto, que está usando el sonido para articular una subjetividad que el lenguaje ordinario, sea en inglés o en ASL, no le permite expresar de la

45:38 misma manera. La doble naturaleza del título Koda es el primer indicio de la densidad semántica que Heder ha incorporado en la estructura misma de la película, pues la palabra funciona simultáneamente como acrónimo descriptivo Child of Death Adults, y como término musical que designa la sección final de una pieza, aquella en la que el movimiento principal concluye y la obra encuentra su resolución. La directora ha señalado en diversas entrevistas que pensaba el fin como una historia sobre el final de la infancia, sobre ese momento en que una persona joven debe comenzar a construir su identidad fuera del sistema de referencia que proporciona la familia de

46:24 origen. Y la elección del término musical para designar ese tránsito establece desde el título mismo la equivalencia entre la estructura narrativa del crechendo vital y la estructura formal de la composición musical. Hay además en la palabra coda una resonancia etimológica que el filita, pero que recorre su textura de latín cauda, cola. La coda es literalmente aquello que viene después del cuerpo principal, aquello que se añade para completar lo que sin ella quedaría inconcluso. Ruby es, en ese sentido, la coda de su familia, el elemento añadido que no pertenece por completo al cuerpo

47:10 principal de la composición familiar sorda y que, sin embargo, es indispensable para que esa composición alcance su resolución. La elección de Both Sides Now de Johnny Mitchell como canción central del clímax narrativo, no es en absoluto casual o meramente circunstancial. Y el análisis del film requiere detenerse en las razones por las que esa pieza en particular condensa con tal precisión los temas que la película ha estado desarrollando durante una hora y 40 minutos. Mitchell escribió la canción siendo una joven compositora que meditaba sobre la dualidad entre la fantasía y la realidad, entre la experiencia directa del mundo y la experiencia mediada por

47:56 las expectativas que uno construye antes de vivir. Y la estructura de la letra que examina sucesivamente las nubes, el amor y la vida como fenómenos que se revelan más complejos y menos definitivos de lo que la infancia prometía. Es una cartografía de exactamente el proceso que Ruby está atravesando en el momento en que la interpreta. La decisión de Ruby de comenzar a firmar las palabras de la canción mientras las canta convirtiendo una actuación auditiva en una actuación simultáneamente auditiva y visual. Un puente construido en tiempo real entre sus dos idiomas y sus dos mundos transforma el número musical en algo que no cabe en ninguno de los géneros que el cine habitualmente aplica las

48:42 actuaciones. No es un musical, no es una escena de audición, no es una demostración de habilidad, sino un acto de comunicación radical dirigido específicamente a las personas que más la quieren y que menos pueden acceder por razones sensoriales a aquello que ella hace. La elección de la lengua de signos americana como idioma de comunicación de los personajes sordos impone a la puesta en escena de coda una serie de exigencias formales que la directora y la directora de fotografía han convertido en algunos de los más interesantes rasgos de identidad visual del film. En el cine mainstream, el lenguaje de la cámara trabaja habitualmente con el primer plano facial como unidad básica de comunicación

49:27 emocional, asumiendo que el rostro, sus microexpresiones, sus tensiones musculares, sus zonas de sombra y de luz es el mapa más completo del estado interior de un personaje. El ASL destruye esa convención porque comunica a través del cuerpo completo. las manos, los brazos, los hombros, la inclinación del torso, la expresión facial como componente gramatical del signo más que como ventana al alma individual. Encuadrar correctamente a alguien que habla en ASL requiere mostrar sus manos, lo que implica retroceder a la distancia de un plano medio o general. Y esta necesidad técnica genera como consecuencia estética una sensación de

50:13 distancia respetuosa que la cinematógrafa Paula Widobro ha sabido convertir en una virtud. Los personajes sordos de coda son filmados con una mayor incorporación del espacio que los habituales en el cine americano. Y esa corporalidad expandida les confier una presencia física en la pantalla que refuerza de manera no verbal su pertenencia a un mundo propio y específico. La directora de fotografía, Paula Widobro, utilizó la cámara Sony Cinealta Benis para capturar las texturas del mundo pesquero de Glowester con una sensibilidad que privilegia la realidad sobre la belleza convencional, optando por la luz disponible y los esquemas de iluminación naturales en la mayoría de

50:58 las secuencias exteriores. El resultado es una paleta de colores que alterna entre los azules metálicos del mar y el amanecer atlántico, los socres y rojos oxidados de los barcos y los almacenes portuarios y los tonos cálidos de los interiores domésticos donde la familia Rossy negocia sus afectos y sus conflictos a la luz de lámparas que producen la sensación de refugio y de encierro simultáneamente. Esta paleta cromática no es arbitraria. Los colores fríos del exterior marino corresponden al mundo de las exigencias y las presiones externas, mientras que los colores cálidos del interior familiar corresponden al mundo de la intimidad y de la dependencia afectiva. Y la travesía de Ruby entre ambos espacios es también visualmente una

51:45 travesía entre dos temperaturas de color que el ojo aprende a leer como indicadores de su estado emocional en cada momento del film. El montaje de Gerald Brison establece un ritmo narrativo que tiene la fluidez funcional del buen artesanato cinematográfico, sin aspirar a los procedimientos más experimentales del montaje de autor. Sus cortes están motivados dramáticamente, respetan la continuidad de acción y de mirada que el cine clásico estableció como norma y construyen una narrativa cuya velocidad se ajusta con inteligencia a las necesidades emocionales de cada secuencia. Las escenas de canto son montadas con particular cuidado para alternar entre la perspectiva auditiva en la que el sonido de la voz de Ruby ocupa el primer

52:32 plano sensorial y la perspectiva visual de quienes lo observan sin poder escucharla, creando un efecto de alternancia perceptiva que es en sí mismo una declaración sobre la naturaleza de la experiencia de la sordera. El momento más audaz del montaje, la secuencia del concierto escolar en la que el sonido desaparece completamente de la banda sonora, requirió una coordinación precisa entre el trabajo del montador y el del diseñador de sonido para que la transición entre el mundo auditivo y el mundo silencioso resultara orgánica y no antinatural. Y al resultado es uno de los mejores momentos de dirección técnica de la película. La banda sonora de Coda, producida por Marius de Bris, compositor que ha

53:17 colaborado con Madona, Biork y Rufus Waynewright, entre otros, y cuya sensibilidad musical combina la elaboración armónica con la accesibilidad emocional, sigue la filosofía expresada por el propio compositor en términos de una incorporación gradual del sonido musical al tejido del film que va acompañando el proceso de formación artística de Ruby. Al principio de la historia, la música incidental es prácticamente inaudible, reducida a texturas mínimas de piano que se confunden con el ambiente sonoro del mundo pesquero. A medida que Ruby avanza en su aprendizaje musical, la partitura se vuelve progresivamente más articulada y presente hasta alcanzar su plena

54:03 expresión en las secuencias finales donde la identidad artística de la protagonista se ha consolidado lo suficiente como para que el film pueda rodearla de música sin que ese gesto parezca un comentario externo, sino una emanación de su propio mundo interior. Es un procedimiento sutil y deliberado que requiere de un espectador atento para ser plenamente percibido, pero que contribuye significativamente a la coherencia temática del conjunto. La producción de Coda incorporó desde el principio un protocolo de accesibilidad que iba mucho más allá de los requisitos legales mínimos y que incluyó la presencia constante en el set de intérpretes de ASL. coach sordos para

54:50 los actores oyentes y un asesor de cultura sorda que garantizara la autenticidad de las representaciones de la vida comunitaria sorda que el film construía. La decisión de Heeder de filmar con subtítulos abiertos en todas las copias teatrales, superponiendo permanentemente la imagen los subtítulos del diálogo en ASL para que los espectadores oyentes pudieran seguirlo sin necesidad de dispositivos especiales, tuvo también la consecuencia de hacer accesible la dimensión sonora del film para los espectadores sordos, de una manera que los habituales sistemas de asistencia auditiva en sala raramente garantizan. Este doble gesto de accesibilidad, subtítulos abiertos para los Sords, audio pleno para los oyentes, es la

55:36 expresión práctica más concreta de lo que el film propone temáticamente, que la comunicación entre mundo sensorial y culturalmente distintos es posible cuando existe la voluntad de construir puentes en ambas direcciones. El corazón filosófico de Coda late en la pregunta sobre qué significa pertenecer a una comunidad y qué se pierde y qué se gana cuando se cruzan las fronteras de esa pertenencia. Una pregunta que el fin plantea desde la experiencia particular de una chica que vive entre el mundo sordo y el mundo oyente, pero que tiene resonancias que van mucho más allá de la experiencia específica de los coda. En un sentido más amplio, la historia de

56:22 Ruby es la historia de cualquier persona que ha crecido en el interior de una cultura minoritaria y que en algún momento de su vida se enfrenta a la posibilidad o a la necesidad de moverse hacia la cultura mayoritaria, llevando consigo todo el peso de la lealtad y del amor y de la identidad que la cultura de origen le ha dado. laigración, el desplazamiento lingüístico, la movilidad social, el cambio de clase. Todos estos procesos tienen la misma estructura emocional básica que el film articula a través de la metáfora de la sordera. La sensación de que crecer o moverse implica una forma de traición, de que el amor de origen y la autonomía del futuro

57:09 son incompatibles, de que no se puede cruzar cierta frontera sin dejar algo irrecuperable al otro lado. La identidad cultural sorda que el film representa no es la de la tragedia ni la de la deficiencia, sino la de una comunidad con sus propios valores, su propio humor, su propio arte y su propia historia. una comunidad que ha sido sistemáticamente tratada por la cultura mayoritaria como una versión disminuida de la norma, en lugar de ser reconocida como una modalidad completa y legítima de ser en el mundo. La cultura sorda con mayúsculas, como la designan los estudios sobre discapacidad, se basa en la lengua de signos como sistema completo y autónomo

57:56 de comunicación y en una comprensión de la sordera, no como pérdida, sino como diferencia, no como ausencia de algo, sino como presencia de algo diferente. El fin de Heeder en su mejor versión respeta ese marco conceptual. La familia Rossy no se lamenta de su sordera, no la vive como una tragedia, no aspira a ser oída. Lo que le duele a Jacki no es su sordera, sino la diferencia sensorial que la separa de su hija. Y esa distinción entre el lamento por la propia condición y el lamento por la distancia que esa condición impone con los seres queridos es filosóficamente crucial. La pregunta de qué es el lenguaje y qué es la comunicación

58:42 recorre todo el film como un hilo invisible pero omnipresente, porque en cada escena se pone en juego algún aspecto de la relación entre el signo y el significado, entre la intención y la comprensión, entre lo que se dice y lo que se recibe. El ASL no es simplemente un código alternativo al inglés, es una lengua con su propia gramática, su propia sintaxis, su propia prosodia, expresada a través de los parámetros visuales gestuales del movimiento, la ubicación y la configuración de la mano y su propia tradición poética y literaria. Cuando Ruby traduce una conversación médica o negocia con los inspectores de pesca, no está simplemente transmitiendo palabras de un código a otro, está habitando

59:28 simultáneamente dos sistemas de organización de la realidad que no son equivalentes, que tienen zonas de intraducibilidad que ella debe gestionar en tiempo real con la rapidez que la situación exige. El fil muestra esa tensión del intérprete, ese espacio en el que uno cesa de existir como sujeto para convertirse en puente con una precisión que refleja la investigación de Heeder codas reales. La dimensión de clase social en la que se inscribe la historia de los Rossy es otro de los elementos filosóficos y temáticos que el film maneja con mayor sutileza, pues la precariedad económica de la familia no es un accidente argumental, sino un componente estructural de su posición en el mundo. Son pescadores en una era en que la

1:00:14 pesca artesanal está siendo destruida por la regulación gubernamental en favor de los grandes conglomerados de pesca industrial. Son inmigrantes italianos de segunda generación en una comunidad costera que tiene su propia jerarquía étnica y social. son sordos en una economía que frecuentemente los coloca en posiciones de vulnerabilidad frente a las instituciones del Estado. La interseccionalidad de su condición, sordos, pobres, de origen inmigrante, no es tematizada de manera explícita por el, pero está presente en la textura de cada escena que los muestra relacionarse con las autoridades, con los compradores de pescado, con los funcionarios del condado. La aspiración de Ruby al conservatorio Berkley es también, en

1:00:59 este contexto una aspiración de movilidad social que tiene dimensiones de clase tan reales como las dimensiones culturales y sensoriales que el film privilegia en su tematización. La exploración de la autonomía como valor fundamental en tensión con la lealtad comunitaria se convierte en el arco filosófico más sostenido del film y Heeder lo aborda sin la simplificación de los relatos liberales convencionales que sitúan la realización individual como el bien supremo por encima de cualquier otro compromiso. Koda no dice que Ruby debe irse porque su felicidad individual vale más que la cuestión familiar. dice que la cuestión es más compleja, que el amor auténtico implica desear la libertad del amado, incluso cuando esa libertad nos deja solos. Y que la familia que realmente

1:01:46 quiere a sus hijos es la que aprende a veces dolorosamente a no necesitarlos de la misma manera. Esa es la transformación que el film exige no de Ruby, sino de sus padres y especialmente de Jacki, quien debe hacer el recorrido más difícil, el de reconocer que el hijo que tiene no es el hijo que deseaba, pero que ese hijo es también y precisamente por su diferencia el más valioso de los regalos. La tensión entre la visibilidad como reconocimiento y la visibilidad como explotación es uno de los debates filosóficos más urgentes que el film desencadena en su contexto cultural más amplio, aunque sin nombrarlos explícitamente en su interior narrativo. La pregunta de si una historia sobre la

1:02:32 comunidad sorda contada por una directora oyente puede ser también una historia genuinamente para esa comunidad. de si el acceso a los recursos de producción y distribución del cine mainstream puede ser obtenido sin reproducir las relaciones de poder que han excluido históricamente a esas comunidades de los puestos de control creativo. Es una pregunta que la propia película no responde, pero que el debate cultural que generó articuló con una ferocidad reveladora del estado de las conversaciones sobre representación en Hollywood. No es una pregunta con respuesta sencilla y el mérito de la película reside en haberla planteado con suficiente honestidad narrativa como para que el debate resultante fuera genuinamente productivo. El silencio como experiencia estética y como

1:03:18 argumento filosófico sobre la naturaleza de la percepción recorre coda con una consistencia que va mucho más allá de las decisiones puntuales de diseño sonoro. El film propone implícitamente que el silencio no es la ausencia del sonido, sino una modalidad diferente de la experiencia sensorial. Una modalidad que tiene su propia riqueza preceptiva y que el cine raramente ha explorado con la seriedad que merece, acostumbrado como está a tratar el sonido como el medio natural del cine sonoro y el silencio como su negación o su ausencia. Las escenas en las que el film suspende el sonido y permite al espectador experimentar el mundo desde la perspectiva perceptiva de los personajes sordos, no son únicamente gestos de empatía pedagógica, aunque también lo

1:04:04 son, sino exploraciones genuinas de una forma de estar en el mundo que tiene sus propios parámetros de belleza, de atención y de relación con el entorno. El viento que mueve las redes en el barco, la vibración del motor bajo los pies, la luz que cambia en el agua. Todo eso es experimentado en el silencio con una intensidad que el sonido a veces eclipsa y la película lo sabe. La dimensión autobiográfica que Heeder ha atribuido algunos elementos del guion, su conocimiento del noreste de Massachusetts, su interés personal por las comunidades marginadas que había desarrollado durante su trabajo en Orange is the New Black. Su propia experiencia de la tensión entre el amor familiar y la necesidad de distancia creativa contribuye a la sensación de

1:04:50 intimidad y de verdad emocional que el film comunica, incluso en sus momentos más estructurados por las convenciones del género. Esa sensación de que detrás de cada escena existe una comprensión realmente una investigación académica o una empatía abstracta. Es uno de los factores que distinguen a Coda de los numerosos films de representación que el Hollywood Progresista ha producido en los últimos años con una retórica de inclusión que frecuentemente no se corresponde con un conocimiento verdadero de las comunidades retratadas. Heeder no conoce la sordera desde dentro y esa limitación fue señalada por algunos críticos dentro de la comunidad sorda. Pero su disposición a aprender

1:05:38 antes de filmar, a escuchar antes de contar es visible en cada frame del film resultante. El motivo de la voz como instrumento de autopresentación y de autoconocimiento tiene en coda una dimensión específicamente femenina que vale la pena examinar en el contexto de los debates contemporáneos sobre las condiciones de acceso de las mujeres a los espacios de expresión pública. Ruby es una chica cuya voz ha sido usada durante toda su vida en servicio de los demás traduciendo intermediando facilitando antes de ser usada en servicio de sí misma. El canto no es simplemente una vocación artística que descubre tardíamente, sino la primera actividad en la que su voz pertenece

1:06:25 exclusivamente a ella, [resoplido] en la que el sonido que produce es su propio sonido y no el sonido de alguien más traducido y transmitido a través de ella. Esa apropiación de la propia voz tiene resonancias simbólicas que van más allá de la experiencia específica de los coda para alcanzar la experiencia de cualquier persona que ha sido entrenada desde la infancia para poner las necesidades comunicativas de los demás por delante de las propias y que en algún momento de su vida descubre que también ella tiene algo que decir que no es la palabra de nadie más. El simbolismo del mar como espacio de la condición y como metáfora de la permanencia de lo que no puede cambiarse recorre el film con la constancia de una presencia geográfica que también es una

1:07:12 presencia imaginaria. Los Rossi viven del mar que es indiferente a su sordera y a su humanidad, que no los distingue de ningún otro pescador en su exigencia de trabajo y de habilidad. El mar no los compensa por su diferencia sensorial, ni los castiga por ella, simplemente los exige. Y en esa exigencia, sin consideraciones, se encuentra paradójicamente un espacio de igualdad que el mundo de tierra firme con sus regulaciones discriminatorias, sus burocracias ordocéntricas, sus relaciones de poder estructuradas sobre la audición como norma, raramente les ofrece. Ruby crece a bordo de ese mar y cuando al final del film lo mira desde la proa del barco antes de partir hacia Boston,

1:07:59 la imagen condensa la posibilidad de llevar consigo lo que el mar le ha dado, la dureza, la resistencia, la familiaridad con la temporalidad de las mareas, sin necesitar seguir viviendo en él. La recepción crítica de CODA fue, en términos generales, muy favorable, aunque con matices significativos que reflejan la complejidad en territorio que la película había decidido explorar. Los críticos de medios de comunicación generalistas elogiaron la eficacia emocional del film, las actuaciones del elenco con Kotsur como foco particular de unanimidad y la habilidad de Heeder para manejar los registros cómico y dramático sin que el tránsito entre ellos resultara antinatural. En plataformas especializadas como Roten

1:08:45 Tomatoes, la película obtuvo un índice de aprobación crítica del 80% con los elogios concentrándose especialmente en las actuaciones y el guion. Mientras que algunos críticos señalaron la estructura convencional del coming of age como un elemento que limitaba las ambiciones del film en el plano formal. En el agregador de reseñas Metacritic, la película obtuvo una puntuación de 72 sobre 100, indicativa de una recepción positiva sólida, sino extraordinariamente entusiasta entre los críticos de referencia. La recepción dentro de la comunidad sorda fue, como ya se ha indicado, significativamente más polarizada y los términos de esa polarización ofrecen un mapa útil de los

1:09:31 debates más urgentes que el FIL desencadenó sobre representación, autoría y poder cultural. Por un lado, muchos miembros de la comunidad sorda celebraron la visibilidad que el film proporcionaba, el hecho de que por primera vez en décadas tres actores sordos interpretaran roles principales en un film que llegaba a millones de espectadores a través de una plataforma global. Y el hecho de que la cultura sorda con su humor específico, su dinámica familiar, su lengua de signos, fuera representada con respeto y sin infantilización. Por otro lado, críticos y activistas sordos señalaron que el film al elegir como protagonista al único miembro

1:10:16 oyente de una familia sorda, reproducía estructuralmente la lógica de un cine que necesita un personaje oyente como punto de identificación para hacer accesible la experiencia sorda al público mayoritario, dejando así intacta la asunción de que las historias sobre la vida sorda solo son comercialmente viables cuando están mediadas por la perspectiva de alguien que no lo es. La comparación con Green Book, el film de 2018 que ganó el Óscar a la mejor película, contando la historia de un músico negro del sur de los Estados Unidos, a través de los ojos de su chóer blanco, fue inevitablemente evocada en los debates que siguieron a la victoria de Coda en la no4ª ceremonia de los

1:11:03 Academy Awards, aunque esa comparación fue también vigorosamente rechazada por

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